Anonim
Image

"Instalační umění konečně převzalo poslední baštu architektury"

Kolosální veřejná umělecká díla, jako jsou propojená schodiště Thomase Heatherwicka v New Yorku, jsou architektonickými památkami naší doby, říká Aaron Betsky v tomto sloupci Názory.

Neslavný efekt Bilbao mohl být posledním výkřikem skvělé architektury, která nám vzrušení vzbudila. Pryč jsou dny Eiffelovy věže a Parthenonu, Mall ve Washingtonu a dokonce i Burj Khalifa. Tyto památky jsou tak dobře, včera.

Přiznejme si to, opravdu už nepotřebujeme budovy, které by nás vzrušovaly a chlazily - nebo na cokoli. Můžeme se stýkat online, technologie nás může udržovat pohodlně a bezpečně v jakékoli formě, která funguje nejefektivněji, získáváme identitu z memů a obrazů vznášejících se kolem nás. A pokud potřebujeme něco víc než to, něco veřejného a sjednocujícího se nebo jen tak velkolepého a podivného, ​​aby nás vzali ze sebe, umění se o to postará.

Nedávné oznámení o plavidle 150 milionů dolarů, schodišti Thomase Heatherwicka, které nikde neuniklo rozvoji kanceláří na Manhattanu, ukazuje, že instalační umění konečně převzalo poslední baštu architektury, konkrétně občanské památky, které nás definují jako kulturu a společnost. Větší a dražší než většina občanských památek, je také lepší u Wow Factor.

Převzetí bylo docela náhlé. Ačkoli můžete vysledovat architekturu podívané zpět k maškám rané renesance, bylo to opravdu až na začátku tohoto století, kdy nastartování efektů a kontemplativní rozpad budov, které umělci jako James Turrell vyvíjeli po několik desetiletí dosáhli takového měřítka a sofistikovanosti, že by mohli být skutečně efektivní i mimo malé měřítko.

Turrell nyní může proměnit hotely a muzea v kaleidoskopy, které vzdorují denním rytmům a světlu a temnotě, a nahrazují je odstíny, které přímo ovlivňují to, jak vnímáme prostor.

Ačkoli v roce 2014 bylo v Guggenheimově muzeu v New Yorku místo nejkomplikovanější instalace Turrellu, jedná se o Turbínový sál v Tate Modern, který byl skutečným motorem, jehož prostřednictvím se umění podívané proměnilo prostřednictvím vědomí veřejnosti a do jejich srdcí.

Počínaje žlutým sluncem Olufara Eliassona v roce 2000 se tento obrovský prostor, který - alespoň si architekti mohou myslet - měl být dostatečně velký na to, aby sám na sebe zapůsobil, se stal místem pro obrovské abstrakce a skluzavky, které nás všechny proměnily v děti. Proti sofistikovanosti Eliassona a umělce Carstena Hollera se roční experimenty v Serpentine Gallery, které se staly kontrapunktem architektury k těmto instalacím, zdají triviální.

Jedním z kusů, které toto nové umění na vědomí lidí skutečně vyrylo, byl „fazole“ - leštěný zrcadlový torus Anishe Kapoora, nazvaný Cloud Gate, který nainstaloval v Chicagském Millennium Parku v roce 2006. Stal se nejvíce fotografovaným místem ve městě a dokonalý selfie magnet.

Je pozoruhodné, že jeho účinkem je shrnutí Chicaga: slavní mrakodrapy, zrcadlené v zakřivených plochách, se staly svatozářem kolem každého člověka, který tam vyfotil, čímž se všichni stali součástí tohoto nejvíce Američana metropolí.

Během posledních 15 let se tyto instalační práce staly větší a více závislé na technologii. Když Turrell začal používat elektrická světla s měnícím se spektrem, byl to umělecký světový ekvivalent, když Bob Dylan hrál na kytaru na Newport Jazz Festivalu.

Eliasson podobně obchodoval s delikátními kousky, které používaly vodu, jednoduché hranoly a někdy jen zastíněné zdi, pro složité stavby, které vycházejí z tovární dílny v Berlíně, která zaměstnává více lidí než většina dobrých architektů v tomto městě.

Když navrhl ArcelorMittal Orbit pro olympijské hry v Londýně 2012, Anish Kapoor dosáhl toho, co si mnozí mysleli, že je to, co bylo možné nebo dobré. Neochvějná periférie Tatlinova pomníku k Třetímu internacionálu, selhala jako velkolepý i estetický objekt. Jako budova byla příliš velká a špatná.

Nyní umělci, jako je Heatherwick, berou střední až nové výšky a měřítka. Zdá se, že dokáže přilákat obrovské zdroje pro plovoucí parky, zahradní mosty a nyní i nůžkové schody.

Je těžké si představit, že to všechno začalo (alespoň ve veřejné sféře) před 12 lety malým mostem pro pěší, který se rozvinul v rohu londýnského přístavu. V současnosti tyto brýle velí částkám, které jsou obrovské, alespoň ve srovnání s tím, co jsme platili za veřejné umění.

Ve srovnání s tím, co náklady na budovu, většina - i když v žádném případě ne všechny - stále nabízejí levnější vzrušení, právě proto, že se mohou zaměřit na poskytnutí této zkušenosti.

Je práce dobrá? To záleží. Určitě se mi zdá, že pro umělce je stejně obtížné kontrolovat velikost a složitost jako pro architekty. Možná je to pro umělce ještě důležitější, protože nemají praxi v řízení forem, materiálů, funkčních prvků a podrobností, které je drží pohromadě tak, jak to činí vyškolení architekti.

Navíc je velká část této práce zakořeněna v rozjímání a čím aktivnější se stává - nikde více než v případě plavidla - tím dále se nachází ze své největší síly.

Co jednou pojďme k realizaci něčeho většího, než jsme sami - jak proto, že jsme prožívali něco společně, jako bychom na hromadné rally nebo fotbalový zápas, a protože jsme cítili něco neomezeného a úžasného - nyní zahrnuje tolik gizmos a tolik aktivity, že mnoho z těchto kusů se podobá dětským hřištěm, spíše než weby pro výměnu náboženských zážitků, myslel jsem si, že toto umění poskytne.

Tento pocit hry je také silou většiny této práce. Plavidlo přeměňuje zařízení, obvykle ukryté ve střevech budovy, které pracuje buď proto, aby nás vzneslo nahoru nebo dolů, nebo aby nám pomohlo uniknout katastrofě jako požární schodiště a proměnilo ji v obří kolektivní hračku.

Rovněž bere cesty, jak jsou schody dokonalými scénami, na kterých je vidět a vidět, učinit vstup a sledovat vstup, do něčeho, co je vyhrazeno nejen pro operní patrony, nevěsty nebo politiky, ale také pro administrativní pracovníky na jejich pauza na oběd. Oslavuje to zábavné a zbytečné kouzlo.

Práce, která se mi líbí nejlépe, hraje dále, ale způsobem, který je více zapojen. Z nás se stávají herci, kteří jsou pro úspěch práce zásadní.

Vstoupit do variace Tino Sehgal's The Variation (viděl jsem verzi na výstavě Kassell Documenta v roce 2013) a ocitl jste se tančit ve tmě s někým, koho nevidíte, je jedním z nejvíce vzrušujících a intimních i sociálních zážitků, které jsem zažil dlouhá doba.

Vstupovat do divadelních scén Elmgreen & Dragset znamená stát se hercem v nějaké perverzní hře o tom, jako v jejich nedávném Zítra v muzeu Victoria & Albert Museum, mrtvého architekta.

Když tyto brýle fungují, slouží k tomu, abychom nás spojili a prožili něco jako komunita. Už nejsme kokonovaní pozorovatelé izolovaných uměleckých děl, ani nejsme bezduchí uživatelé nudných budov.

Umění nás odděluje od sebe, spojuje nás, obnovuje a oživuje náš veřejný život a co není nedůležité, umožňuje nám spolu bavit. V městském divadle, kde se Velký bratr neustále dívá a bojíme se navzájem, každé umění, které dosáhne toho, jak doufám, že plavidlo bude, stojí za každý cent.